SOBRE EL CURADOR
Joseph Daniel Valencia es curador, educador, historiador y escritor. Actualmente se desempeña como Curador de Exposiciones en el Vincent Price Art Museum en East Los Angeles College, donde desde 2016 ha desarrollado proyectos centrados en el arte estadounidense, latinoamericano, moderno y contemporáneo. Un estudioso del arte y la historia latinx, sus exposiciones recientes incluyen We Place Life at the Center / Situamos la vida en el centro (2024-2025), Sonic Terrains in Latinx Art (2022) y Liberate the Bar! Queer Nightlife, Activism, and Spacemaking (2019). Valencia nació en el condado de Orange, California, y se crio en un hogar mexicano y chicano. Su historia familiar en Orange y el barrio El Modena se remonta a principios del siglo XX y continúa inspirando su pasión por enaltecer las historias y comunidades subrepresentadas en el sur de California y más allá. Tiene una maestría de la USC y una licenciatura de la Universidad Estatal de California, Fullerton.
Ray Anthony Barrett (n. 1980) tiene una práctica interdisciplinaria situada en la intersección del arte y la gastronomía. Desde 2018, su espacio emergente, CINQVÉ, se ha dedicado a rastrear la evolución de la Soul Food desde California hasta sus orígenes en África Occidental. GO TELL IT ON THE MOUNTAIN, un proyecto comisionado por Active Cultures, traza un viaje de siete meses a través de los variados paisajes de los estados del oeste. Este esfuerzo multifacético, que abarca la escritura, la investigación, el cine y la cocina, se desarrolló a lo largo de dos años, interrogando la evolución de las prácticas agrícolas y de la tierra y el impacto del despojo y el colonialismo en las costumbres alimentarias, rastreando sus raíces desde el colonialismo de asentamiento hasta los modos actuales de capitalismo y sobreconsumo. Varios de estos temas también se exploran en los dibujos, pinturas, esculturas, fotografías y colchas de Barrett. Ha presentado exposiciones individuales en la Galería Diane Rosenstein (2014), la Galería Wilding Cran (2022) y como parte de la Serie de Exposiciones de Arte de Imágenes en Movimiento de la Ciudad de West Hollywood (2023).
Salvador de la Torre (n. 1989) es artista, educador y narrador nacido en México y criado en Texas; actualmente radica en Los Ángeles. A través del dibujo, la performance, el grabado y la escultura, su práctica se basa en narrativas personales y familiares para explorar temas de migración, memoria, identidad queer y género. Sus obras ofrecen contranarrativas a las representaciones dominantes de las comunidades inmigrantes y queer, basadas en la alegría, la lucha, la adaptabilidad y la ternura. A través de gestos íntimos y cotidianos, el arte de de la Torre conecta el activismo y la autoaceptación, enfatizando la vulnerabilidad, la proximidad y el cuidado como formas de resistencia. Ha expuesto a nivel nacional e internacional, incluyendo exposiciones individuales en la Daphne Art Foundation (2024), el Grand Central Art Center (2019) y Eastside International (2018), y exposiciones colectivas en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, el Museo de Diseño de Atlanta y el Museo de Arte de Oceanside, entre otros. Cuenta con una maestría en Bellas Artes de la Universidad Estatal de California, Fullerton, y una licenciatura de la Universidad Internacional Texas A&M.
Mercedes Dorame (n. 1980) es una artista visual nacida y criada en sus tierras ancestrales de Tovaangar. A través de la fotografía, la instalación y el trabajo in situ, Dorame desafía la supresión de la presencia indígena en los paisajes contemporáneos, proponiendo marcos visuales y materiales para reafirmar la memoria cultural y las conexiones con la tierra y el cielo. La obra de Dorame forma parte de numerosas colecciones de museos y ha expuesto ampliamente, incluyendo Made in L.A. 2018 en el Museo Hammer; Borderlands (2022-2025) en el Huntington; así como recientes exposiciones individuales en Oxy Arts (2024) y la inauguración de la Rotunda Commission en el Getty Center (2023-2024). También ha comisariado importantes exposiciones, incluyendo Crossing Waters: Contemporary Tongva Artists Carrying Pimugna en el Museo Catalina de Arte e Historia (2022-2023) y The Iridescence of Knowing en Oxy Arts (2023). Dorame obtuvo su Maestría en Bellas Artes (MFA) en el Instituto de Arte de San Francisco y su Licenciatura en Artes (BA) en la UCLA. Es codirectora del programa y profesora del programa de Fotografía y Medios de CalArts.
Leslie Foster (n. 1984) es un artista multimedia cuyo trabajo fusiona el cine experimental con la instalación inmersiva para crear ecologías contemplativas que exploran el futuro negro y queer. Inspirado por una infancia transcurrida en Indonesia, Filipinas, Tailandia y Michigan, la narrativa de Foster se basa en la colaboración, la construcción de comunidades y la creación especulativa de mundos. Obtuvo su MFA en Diseño | Artes Mediáticas de la UCLA en 2022 y asistió a la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan el mismo año. El trabajo de Foster se ha exhibido internacionalmente, incluyendo en Outfest, donde su instalación de cuatro canales Heavenly Brown Body ganó el Gran Premio del Jurado de Documental, y en exposiciones individuales como 59, resultado de una residencia de un año con Level Ground. Es becario de Artes Visuales 2023-2026 en el Centro de Artes Montalvo, residente del Centro de Artes Headlands 2024 y beneficiario del Fondo LACE Lightning (2023). Foster actualmente se desempeña como profesor asistente de medios basados en el tiempo en la Universidad Estatal de California, San Marcos.
Maria Maea (n. 1988) es una artista multidisciplinaria que trabaja con escultura, instalación, performance, cine y sonido. Inspirada en su herencia samoana y mexicana, Maea crea obras de arte arraigadas en la memoria somática, la ascendencia y los paisajes de Los Ángeles, donde nació y creció. Sus esculturas, hechas de hojas de palma, concreto, varillas de refuerzo, vainas de semillas y materiales reutilizados, ocupan un espacio entre la figuración y la abstracción, sirviendo a menudo como recipientes rituales o "futuros antepasados". Obteniendo materiales de sitios locales como el río Los Ángeles y el jardín de su casa, Maea integra cada obra con historias personales y colectivas. Maea ha realizado numerosas presentaciones y exhibiciones, incluyendo Made in L.A. 2023: Acts of Living en el Hammer Museum y The California Biennial 2022: Pacific Gold en el Orange County Museum of Art; así como exposiciones individuales en Parallel Oaxaca (2025), Murmullos (2022, 2023) y Galería LaPau (2021).
Maryrose Cobarrubias Mendoza (n. 1966) es una artista multidisciplinaria cuya obra explora la memoria, la pérdida y la transformación a través del dibujo, la escultura y la instalación. La artista es inmigrante filipina que, desde muy pequeña, creció en Los Ángeles en la década de 1970. Mendoza se basa en su historia personal y la cultura material para abordar las complejidades de la asimilación y la identidad en un contexto poscolonial. Su obra reimagina objetos e imágenes preexistentes en un lenguaje visual de autorreconocimiento en evolución. Durante treinta años, Mendoza ha expuesto su obra a nivel nacional e internacional, incluyendo exposiciones individuales en From Typhoon (2021); Orange County Museum of Art (2020); y COOP (2019). Mendoza ha recibido becas de la Fundación Guggenheim, la Ciudad de Los Ángeles (C.O.L.A.) y Art Matters. Es profesora asociada y coordinadora de dibujo en Pasadena City College y anteriormente formó parte de la Junta Directiva de FilAm Arts. Mendoza obtuvo su maestría en Bellas Artes en la Claremont Graduate University y su licenciatura en la California State University, Los Ángeles.
Genevieve Erin O’Brien (n. 1974) es una artista queer, no binaria, mestiza vietnamita/irlandesa/alemana radicada en Los Ángeles. Su práctica transdisciplinaria, que abarca la performance, el video, la instalación, Ber Arts (arte textil), el trabajo culinario y la práctica social, se centra en temas de identidad, diáspora, descolonización, domesticidad queer y cuidado comunitario. O’Brien tiene una maestría en Bellas Artes en Performance de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y fue becaria Fulbright en Vietnam. Su trabajo ha sido apoyado por el Fondo de Desarrollo Económico Creativo de la Ciudad de Los Ángeles, el Colectivo de Estudios Críticos sobre Refugiados y el Laboratorio de Innovación Annenberg de la USC, donde fue becaria de medios cívicos. Como artista del Departamento de Estado de EE. UU./ZERO1, desarrolló un proyecto de medios digitales LGBTQ+ en Hanoi. Sus proyectos More Than Love on the Horizon y Sugar Rebels fueron comisionados por el Centro Asiático-Pacífico Americano del Instituto Smithsoniano. O’Brien también es chef y fundador del proyecto culinario queer Meat My Friends, donde convergen sus pasiones por la fermentación, los dumplings y la narración de historias.
Félix Quintana (n. 1991) es un artista y educador nacido y criado en Lynwood, California. Su práctica multidisciplinaria abarca la fotografía, los medios digitales, el collage y la instalación. Entre sus exposiciones individuales recientes se incluyen Fantasma Paraíso, una exposición multisitio presentada por Los Angeles Nomadic Division (LAND), Cruising Below Sunset en Residency Art Gallery y Love is the given of the place en Cypress College. Su obra ha aparecido en NPR, The Guardian, Los Angeles Times y KCET Artbound. Forma parte de las colecciones públicas del Museo de Oakland de California, la Colección de Arte Cívico del Condado de Los Ángeles, la Colección de Arte Altamed y Cal Poly Humboldt. Entre sus premios recientes se incluyen la Beca de la Fundación Comunitaria de California para las Artes Visuales (2024-2025), la Beca de Artista Lucas (2023-2026) en el Centro de Artes Montalvo, la Beca Mohn LAND (2023) y el Fondo LACE Lightning (2022). Quintana ha impartido conferencias en numerosas instituciones, como UCLA, SFAI, el Museo Hammer, Oxy Arts y el Museo Afroamericano de California. Quintana tiene una maestría en Bellas Artes de la Universidad Estatal de San José y una licenciatura en Fotografía de Cal Poly Humboldt.
Gabriela Ruiz (n. 1991) es una artista y diseñadora multidisciplinaria cuyo trabajo abarca escultura, video, performance, pintura, instalación y diseño de indumentaria. Inspirada en su identidad mexicoamericana y una fuerte ética del hazlo-tu-mismo, Ruiz explora temas de vigilancia, consumismo y los efectos emocionales de la tecnología. Sus instalaciones inmersivas a menudo subvierten los sistemas de hipervigilancia que impactan a las comunidades marginadas, mientras que su uso de colores intensos y saturados desafía las percepciones racializadas de la estética y perturba la esterilidad de los espacios institucionales. Ruiz ha expuesto y realizado performances a nivel internacional en instituciones de arte, locales de ocio nocturno e intervenciones públicas. Entre sus exposiciones individuales se incluyen el Little Tokyo Art Complex (2017), el Vincent Price Art Museum (2018-19), la LaPau Gallery (2021), Anat Ebgi (2022), el Palm Springs Art Museum (2022) y la Institute for the Humanities Gallery de la Universidad de Michigan (2023). Ha curado exposiciones colectivas entre las que se incluyen Elixir (2023) y NEXUS (2023), y un proyecto colaborativo Outburst con Karla Ekatherine Canseco, Maria Maea, Clara Nieblas y Rubén Ulises Rodríguez Montoya en el Museo de Arte de Palm Springs (2022).
Bumdog Torres (n. 1969) es un artista, escritor, cineasta y fotógrafo callejero nacido y criado en el distrito Crenshaw de Los Ángeles. Torres, que se describe a sí mismo como un hombre sin hogar de profesión, ha pasado gran parte de su vida adulta recorriendo las calles de Los Ángeles y del extranjero. En 2014, tras adquirir un iPhone usado, comenzó a fotografiarse en espejos desechados, inspirado por Vivian Maier. Más tarde, pasó a una cámara compacta, centrándose en retratos espontáneos de la vida al margen. Mientras vivía en un aparcamiento del centro de Los Ángeles a principios de la década de 2000, Torres escribió, dirigió y protagonizó una adaptación cinematográfica de Sketches of Nothing by a Complete Nobody y organizó exposiciones de arte emergentes en locales vacíos. En 2020, tras obtener alojamiento a través de un programa municipal, recibió el encargo de documentar la vida callejera durante la pandemia de COVID-19 mediante ensayos fotográficos. Hasta la fecha, ha autopublicado cinco fotolibros.
Raymundo Tonatiuh Reynoso (n. 1972) es un artista interdisciplinario radicado en Los Ángeles, cuya práctica abarca la pintura, el grabado, la fotografía, el diseño gráfico y las intervenciones en espacios públicos. Su obra es figurativa y a menudo se crea con materiales reutilizados como madera, restos de construcción y señalización encontrada. Nacido en la Ciudad de México, Reynoso emigró a Estados Unidos a los seis años, una experiencia que continúa moldeando su interés por la justicia social y los problemas interseccionales que enfrentan las comunidades marginadas, como la injusticia laboral, la desigualdad económica y la falta de vivienda asequible en la ciudad. La obra de Reynoso está representada en las colecciones del Instituto de Investigación Getty, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles y Self-Help Graphics & Art, y ha expuesto ampliamente, incluyendo exposiciones individuales en la Galería Luckman de Cal State L.A. y exposiciones colectivas en el Museo de Arte de California de Pasadena, el Museo Chino-Americano y el Museo A+D. Tiene una Maestría en Bellas Artes en Diseño | Artes Mediáticas de la UCLA.