[SPANISH]
Con base en la exploración de las prácticas textiles y artesanales tradicionales, el trabajo del artista multimedia Ramekon O’Arwisters refleja sus experiencias vividas como hombre negro y queer en Estados Unidos. O’Arwisters creció en el sur de Estados Unidos durante el sistema de segregación racial y privación de derechos Jim Crow de las décadas de 1960 y 1970, posteriormente, se mudó a San Francisco durante la década de 1990, una era crucial para los derechos LGBTQ. Las historias culturales, familiares y personales hacen que su escultura sea compleja y su trabajo socialmente comprometido en la política material y objetual.
Estas exploraciones se materializan a través de una multitud de objetos, incluidos fragmentos de cerámica afilados, herramientas de sujeción o zip ties, cuero, dispositivos de tortura y joyas que O’Arwisters anuda, envuelve, trenza y teje a crochet en formas abstractas y densas utilizando pedazos de telas. Las formas escultóricas complejas y en capas crean combinaciones marcadas entre objetos encontrados y técnicas manuales, muchas de las cuales tienen asociaciones con el espacio doméstico, el género, la raza y la identidad queer. O’Arwisters desafía y construye diferentes historias y experiencias que incrusta en estos objetos, a menudo utilizando el proceso de fabricación como un acto de curación, recuperación o cuidado que celebran la fuerza, la resiliencia y la vitalidad de las comunidades negras y queer.
Esta exposición cuenta con el generoso apoyo, en parte, del Fondo de Patrimonio Cultural Antonia y Vladimer Kulaev, el Fondo de Beneficencia de la Familia Lehrman, la Junta de Supervisores del Condado de Los Ángeles a través del Departamento de Artes y Cultura, el Departamento de Asuntos Culturales de la Ciudad de Los Ángeles y el Fideicomiso Julius Bernard Kester. Curada por Andrés Payán Estrada.
ARTISTA
Ramekon O’Arwisters es un artista multimedia radicado en San Francisco que explora las tradiciones textiles y artesanales a través de esculturas abstractas con objetos encontrados y proyectos comunitarios comprometidos socialmente. O’Arwisters nació en Kernersville, Carolina del Norte y, en 1986, obtuvo una Maestría en Divinidad en Duke University Divinity School. Sus obras se han expuestas en el Museo de Artesanía y Diseño de San Francisco, el Museo de la Diáspora Africana de San Francisco y el Museo de Edredones y Textiles de San José, California. O’Arwisters ha recibido numerosas becas y premios, incluido el Fondo Artadia para el Arte y el Diálogo, el Premio de la Fundación McLaughlin para The Project Space y la Beca Eureka. Su proyecto de creación de arte comunitario socialmente comprometido, Crochet Jam, se ha presentado en varias instituciones, incluido el Museo de Arte Moderno de San Francisco y el ICA San Francisco.
HOGAR
La base de muchas de las técnicas artesanales que se ven en la práctica de O’Arwisters provienen de un recuerdo de su infancia, cuando su abuela, Celia Jones Taylor, le invitó a ayudarla a hacer una colcha. Este momento formativo, en el que la familia, el hogar y la artesanía crearon un espacio seguro para su existencia como un joven negro queer, sigue resonando en la práctica artística de O’Arwisters.
Las conexiones con el espacio doméstico en la obra de O’Arwisters se extienden más allá de este recuerdo, con referencias al hogar y a las tradiciones artísticas de comunidades negras que aparecen en todas sus esculturas. Desde el trenzado cotidiano del cabello hasta las conexiones históricas con las colchas de Gee’s Bend y la cerámica creada por artistas esclavizados en Old Edgefield, la práctica creativa de O’Arwisters honra la transmisión de la sabiduría y el conocimiento ancestral dentro de las comunidades y las familias.
Cabe destacar que su serie Mending está hecha principalmente con textiles cotidianos encontrados, como sábanas, fundas de almohadas y ropa usada, que se tejen, se envuelven o se trenzan alrededor de objetos de cerámica domésticos rotos. Este proceso de elaboración hace eco a las ideas de protección y cuidado de aquello que se ha descartado, transformándolos en tótems culturales que transmiten historias y recuerdos.
OBJETOS
Los objetos de cerámica y los textiles, dos materiales centrales en gran parte de la obra de O’Arwisters, son omnipresentes en la vida cotidiana. Sin embargo, a pesar de su ubicuidad, estos objetos tienen una historia profunda por su conexión con la experiencia humana; algo similar sucede con los diversos objetos que se encuentran en las esculturas de O’Arwisters.
Ya sean objetos domésticos, herramientas de violencia y opresión, símbolos de los estándares de belleza coloniales u objetos de liberación y placer sexual, todos ellos reflejan las estructuras sociales en las que existen. El uso intencional que O’Arwisters hace de estos objetos en sus obras escultóricas desafía la noción de que los objetos son neutrales o pasivos y, no solo resalta sus historias, sino que trabaja para impulsarlos hacia una nueva forma o modo de existencia. El proceso mismo de creación se convierte en un acto transformador para recuperar esas narrativas e historias, y estos nuevos ensamblajes se convierten en formas materializadas de resistencia y resiliencia.
DESEO
La expresión y la sensibilidad queer en los procesos y materiales de fabricación brillan con fuerza en las series Cheesecake y Flowered Thorns, con formas abstractas descaradamente incrustadas con flecos, borlas y joyas de colores. El género y la expresión sexual son temas centrales en muchas de las obras de O’Arwisters, que van desde el cuestionamiento de los estereotipos de género asociados con las técnicas artesanales hasta las exploraciones de la expresión de género, el drag y la alegría queer.
Estos temas suelen adoptar tonos más sombríos, y exploran la sexualidad a través de combinaciones crudas de materiales sensuales con cerámicas rotas y afiladas e instrumentos de violencia. Este enredo de dolor y placer plantea preguntas sobre el consentimiento, la cosificación del cuerpo y la opresión sexual que experimentan las comunidades queer y queer negras. En Bitten y Black & Blue, O’Arwisters examina estos temas a través de materiales y objetos discretos, pero decididamente atrevidos, vinculados a la exploración y la expresión sexual, a menudo combinados con objetos de restricción. Estas yuxtaposiciones crudas hablan de la violencia continua infligida a los cuerpos queer y la compleja interacción del dolor y el placer. Lo más importante es que estas formas audaces y plenamente realizadas celebran el deseo, la alegría y la liberación queer.
DIVINO
La formación de O’Arwisters relacionada con la divinidad, así como sus primeras experiencias con prácticas religiosas y espirituales, informan de manera única su proceso creativo, en el que conecta la profunda historia de la artesanía de los objetos espirituales (como rosarios, textiles sagrados y vasos ceremoniales) con su papel como herramienta de recolección y curación.
En sus retratos en blanco y negro, el artista documenta el proceso ritual de conectar su cuerpo físico con los materiales y objetos utilizados en sus esculturas. Estas imágenes muestran a O’Arwisters en una forma plenamente consciente y autorrealizada, recuperando su imagen, cuerpo y práctica de la mirada colonial occidental, al tiempo que afirma su verdadero yo. De manera similar, sus obras escultóricas encarnan una forma plenamente realizada que existe como objeto de arte y como dispositivo talismánico, que transmite un significado social y cultural junto con conexiones con la espiritualidad y la emoción.
O’Arwisters explora estas realidades espirituales, emocionales y psicológicas a través de su práctica creativa. A menudo, el artista interactúa con sus materiales a un nivel espiritual o aborda su proceso de creación como una práctica meditativa o ritual que resalta la artesanía como una poderosa herramienta de transformación.
RESTRINGIR (fondo negro)
Las últimas series escultóricas de O’Arwisters, Black & Blue y Bitten, investigan la relación entre el dolor y el placer a través del uso de objetos asociados con la restricción, la violencia y las prácticas eróticas. En ambas series, el BDSM (por sus siglas en inglés que refieren al tipo de prácticas sexuales que involucran la esclavitud, la disciplina o dominación, el sadismo y el masoquismo) sirve como lente para examinar las estructuras de poder, ahondando en las complejidades del dominio, la sumisión, el opresor y el oprimido, a menudo utilizando narrativas eróticas para explorar el enredo en la perpetuación o la sumisión a los sistemas de violencia.
Al abordar con agudeza la violencia contra las mujeres negras y los cuerpos queer y trans, O’Arwisters incorpora en sus esculturas objetos vinculados a la violencia implícita y explícita, como herramientas de sujeción o zip ties, peines alisadores y otras herramientas de restricción. A través de su proceso creativo, desmantela las historias de estos objetos, reimaginándolos como símbolos de apoyo y protección. Las herramientas de sujeción o zip ties, objetos convertidos en armas que se utilizan para la restricción y la violencia, se recuperan como elementos decorativos para adornar y proteger. De manera similar, el peine alisador, un símbolo de belleza colonial, se reinterpreta como un soporte estructural que permite que las formas escultóricas se mantengan en pie. Los gestos transformadores de O’Arwisters permiten la resignificación de estos objetos de opresión patriarcal y de supremacía de la raza blanca en símbolos de resistencia y belleza.